Select Page

San Francisco Museum of Modern Art

20 Künstler, 12 Länder, 58 neue Werke. Nur bei SFMOMA.

SOFT POWER hat viele Veranstaltungen, die von Künstlergesprächen bis hin zu ganztägigen Symposien reichen. Siehe unten für die aktuelle Liste, und schauen Sie regelmäßig vorbei, um weitere Details zu erfahren.

Die Geschichten und Gesichter von San Francisco, kostenlos bei SFMOMA zu erleben.

SFMOMA nur in San Francisco

Museum für moderne Kunst

Museen, die Sie möchten

Die Prinzipien des Designs und ihre Bedeutung

Die Prinzipien des Designs und ihre Bedeutung

Einer der schwierigsten Teile der Diskussion über die Prinzipien des Designs besteht darin, herauszufinden, wie viele Prinzipien es tatsächlich gibt (gibt es fünf ? Sieben ? Zehn ?). Und wenn das herausgefunden wurde, welche dieser vermeintlichen Designgrundlagen sollten einbezogen werden?

Wenn Sie nach “Prinzipien des Designs” suchen, gibt Google Ergebnisse für Artikel aus, die fünf bis mehr als ein Dutzend einzelne Prinzipien enthalten. Auch die Artikel , die auf der Zahl zustimmen nicht unbedingt einig , welche davon sollte sein enthalten in dieser Zahl.

In der Realität gibt es ungefähr ein Dutzend Grundprinzipien des Designs, die sowohl angehende als auch erfahrene Designer berücksichtigen sollten, wenn sie an ihren Projekten arbeiten. Darüber hinaus gibt es ein weiteres Dutzend „sekundärer“ Gestaltungsprinzipien, die manchmal als Grundlage dienen (z. B. Gestaltprinzipien , Typografie, Farbe und Rahmung). Die wichtigsten Konstruktionsprinzipien werden im Folgenden erläutert und veranschaulicht.

Grundlegende Gestaltungsprinzipien

Wie bereits erwähnt, gibt es in der Design-Community keinen wirklichen Konsens darüber, was die Hauptprinzipien des Designs tatsächlich sind. Die folgenden zwölf Prinzipien werden jedoch am häufigsten in Artikeln und Büchern zu diesem Thema erwähnt.

Kontrast

Eine der häufigsten Beschwerden, die Designer über Kundenfeedback haben, bezieht sich häufig auf Kunden, die sagen, ein Design müsse mehr „platzen“. Während dies nach einem völlig willkürlichen Begriff klingt, bedeutet der Kunde im Allgemeinen, dass das Design mehr Kontrast benötigt.

Kontrast bezieht sich darauf, wie unterschiedliche Elemente in einem Design sind, insbesondere benachbarte Elemente. Diese Unterschiede machen verschiedene Elemente aus. Kontrast ist auch ein sehr wichtiger Aspekt bei der Erstellung barrierefreier Designs . Ein unzureichender Kontrast kann insbesondere für Menschen mit Sehbehinderungen das Lesen von Textinhalten erschweren.

Balance

Jedes Element eines Designs – Typografie, Farben, Bilder, Formen, Muster usw. – hat ein visuelles Gewicht. Einige Elemente sind schwer und ziehen das Auge auf sich, während andere Elemente leichter sind. Die Art und Weise, wie diese Elemente auf einer Seite angeordnet sind, sollte ein Gefühl der Ausgewogenheit erzeugen.

Es gibt zwei Grundtypen des Gleichgewichts: symmetrisch und asymmetrisch. Symmetrische Designs Layout-Elemente mit gleichem Gewicht auf beiden Seiten einer imaginären Mittellinie. Bei der asymmetrischen Balance werden Elemente mit unterschiedlichen Gewichten verwendet, die häufig in Bezug auf eine Linie angeordnet sind, die nicht im Gesamtdesign zentriert ist.

Betonung

Der Schwerpunkt liegt auf den Teilen eines Designs, die hervorstechen sollen. In den meisten Fällen sind dies die wichtigsten Informationen, die das Design vermitteln soll.

Der Schwerpunkt kann auch verwendet werden, um die Auswirkung bestimmter Informationen zu verringern. Dies ist am offensichtlichsten in Fällen, in denen “Kleingedrucktes” für Zusatzinformationen in einem Design verwendet wird. Winzige Typografie, die am unteren Rand einer Seite versteckt ist, hat ein wesentlich geringeres Gewicht als fast alles andere in einem Design und wird daher nicht besonders hervorgehoben.

Anteil

Proportionen sind eines der am einfachsten zu verstehenden Gestaltungsprinzipien. Einfach ausgedrückt ist es die Größe der Elemente im Verhältnis zueinander. Proportion signalisiert, was in einem Design wichtig ist und was nicht. Größere Elemente sind wichtiger, kleinere weniger.

Hierarchie

Die Hierarchie ist ein weiteres Gestaltungsprinzip, das in direktem Zusammenhang damit steht, wie gut Inhalte von Nutzern einer Website verarbeitet werden können. Es bezieht sich auf die Bedeutung von Elementen innerhalb eines Designs. Die wichtigsten Elemente (oder Inhalt) sollten erscheinen das wichtigste sein.

Die Hierarchie lässt sich am einfachsten durch die Verwendung von Titeln und Überschriften in einem Entwurf veranschaulichen. Der Titel einer Seite sollte die größte Bedeutung haben und daher sofort als wichtigstes Element auf einer Seite erkennbar sein. Überschriften und Unterüberschriften sollten so formatiert sein, dass ihre Bedeutung in Bezug aufeinander sowie in Bezug auf den Titel und die Arbeitskopie deutlich wird.

Wiederholung

Wiederholung ist eine großartige Möglichkeit, eine Idee zu bekräftigen. Es ist auch eine großartige Möglichkeit, ein Design zu vereinheitlichen, das viele verschiedene Elemente vereint. Die Wiederholung kann auf verschiedene Arten erfolgen: durch Wiederholen derselben Farben, Schriftarten, Formen oder anderer Elemente eines Designs.

In diesem Artikel wird beispielsweise die Wiederholung im Format der Überschriften verwendet. Jedes Konstruktionsprinzip ist wie die anderen in diesem Abschnitt formatiert und signalisiert den Lesern, dass sie alle gleich wichtig sind und dass sie alle miteinander verwandt sind. Konsistente Überschriften vereinheitlichen diese Elemente auf der Seite.

Rhythmus

Die Zwischenräume zwischen sich wiederholenden Elementen können einen Rhythmus erzeugen, ähnlich wie der Zwischenraum zwischen Noten in einer Musikkomposition einen Rhythmus erzeugt. Es gibt fünf grundlegende Arten von visuellen Rhythmen, die Designer erstellen können: zufällig, regelmäßig, abwechselnd, fließend und progressiv.

Zufällige Rhythmen haben kein erkennbares Muster. Regelmäßige Rhythmen folgen ohne Variation dem gleichen Abstand zwischen den Elementen. Abwechselnde Rhythmen folgen einem festgelegten Muster, das sich wiederholt, wobei jedoch Unterschiede zwischen den tatsächlichen Elementen bestehen (z. B. ein 1-2-3-1-2-3-Muster). Fließende Rhythmen folgen Kurven und Biegungen, ähnlich wie Sanddünen oder Wellen fließen. Progressive Rhythmen ändern sich im Laufe der Zeit, wobei jede Änderung die vorherigen Iterationen ergänzt.

Rhythmen können verwendet werden, um eine Reihe von Gefühlen zu erzeugen. Sie können Aufregung erzeugen (insbesondere fließende und progressive Rhythmen) oder Beruhigung und Beständigkeit schaffen. Es hängt alles davon ab, wie sie umgesetzt werden.

Muster

Muster sind nichts anderes als eine Wiederholung mehrerer zusammenwirkender Designelemente. Tapetenmuster sind das allgegenwärtigste Beispiel für Muster, mit denen praktisch jeder vertraut ist.

Im Design können sich Muster jedoch auch auf festgelegte Standards für die Gestaltung bestimmter Elemente beziehen. Beispielsweise ist die Top-Navigation ein Entwurfsmuster, mit dem die Mehrheit der Internetnutzer interagiert hat.

Leerraum

Leerraum – auch als “negativer Raum” bezeichnet – sind die Bereiche eines Entwurfs, die keine Entwurfselemente enthalten. Der Raum ist praktisch leer.

Viele anfängliche Designer haben das Bedürfnis, jedes Pixel mit einer Art „Design“ zu füllen und den Wert des Leerraums zu übersehen. Der weiße Raum dient jedoch vielen wichtigen Zwecken in einem Design, in erster Linie indem er Elementen des Designraums Luft gibt . Negative Leerzeichen können auch dazu beitragen, bestimmte Inhalte oder bestimmte Teile eines Designs hervorzuheben.

Es kann auch dazu führen, dass Elemente eines Designs leichter zu erkennen sind. Dies ist der Grund, warum Typografie besser lesbar ist, wenn Groß- und Kleinbuchstaben verwendet werden, da das negative Leerzeichen um Kleinbuchstaben herum abwechslungsreicher ist, sodass die Menschen sie schneller interpretieren können.

In einigen Fällen wird ein negativer Bereich verwendet, um sekundäre Bilder zu erstellen, die für den Betrachter möglicherweise nicht sofort sichtbar sind. Dies kann ein wertvoller Bestandteil des Brandings sein, der Kunden begeistern kann. Nehmen Sie den verborgenen Pfeil im FedEx-Logo, um nur ein Beispiel zu nennen.

Bewegung

Bewegung bezieht sich auf die Art und Weise, wie sich das Auge über ein Design bewegt. Das wichtigste Element sollte zum nächstwichtigsten führen und so weiter. Dies geschieht durch Positionieren (das Auge fällt natürlich zuerst auf bestimmte Bereiche eines Entwurfs), Hervorheben und andere bereits erwähnte Entwurfselemente.

Vielfalt

Vielfalt im Design wird genutzt, um visuelles Interesse zu wecken. Ohne Abwechslung kann ein Design sehr schnell eintönig werden, wodurch der Benutzer das Interesse verliert. Durch Farbe, Typografie, Bilder, Formen und praktisch jedes andere Gestaltungselement kann eine Vielzahl von Möglichkeiten geschaffen werden.

Abwechslung ist der Abwechslung zuliebe jedoch sinnlos. Die Vielfalt sollte die anderen Elemente eines Designs verstärken und zusammen mit ihnen verwendet werden, um ein interessanteres und ästhetisch ansprechenderes Ergebnis zu erzielen, das das Benutzererlebnis verbessert.

Einheit

Jeder hat eine Website oder ein anderes Design gesehen, das nur Elemente auf eine Seite zu werfen schien, ohne Rücksicht darauf, wie sie zusammengearbeitet haben. Zeitungsanzeigen mit zehn verschiedenen Schriftarten fallen einem sofort ein.

Einheit bezieht sich darauf, wie gut die Elemente eines Designs zusammenarbeiten. Visuelle Elemente sollten in einem Design klare Beziehungen zueinander haben. Einheit trägt auch dazu bei, dass Konzepte klar und zusammenhängend kommuniziert werden. Designs mit einer guten Einheit scheinen auch organisierter und von höherer Qualität und Autorität zu sein als Designs mit einer schlechten Einheit.

Andere Gestaltungsprinzipien

In verschiedenen Artikeln zum Thema werden auch andere Gestaltungsprinzipien angesprochen. Dazu gehören Typografie, Farbe, Gestaltprinzipien, Raster und Ausrichtung, Rahmung und Form. Einige passen definitiv zur Definition von „Prinzipien“, während andere eher Elemente des Designs sind.

Typografie bezieht sich auf die Art und Weise, wie Text in einem Design angeordnet ist. Dazu gehören die verwendeten Schriftarten, deren Abstand, Größe und Gewicht sowie die Art und Weise, wie verschiedene Textelemente miteinander in Beziehung stehen. Gute typografische Gestaltung wird stark von allen anderen Gestaltungsprinzipien beeinflusst, die weiter oben in diesem Artikel erwähnt wurden.

Die Verwendung von Farbe im Design ist einer der psychologisch wichtigsten Teile eines Designs und hat einen großen Einfluss auf das Benutzererlebnis. Die Farbpsychologie und -theorie beeinflusst in hohem Maße einige der anderen oben genannten Prinzipien.

Gestaltprinzipien umfassen Ähnlichkeit, Fortsetzung, Schließung, Nähe, Figur / Grund und Symmetrie & Ordnung (auch als prägnanz bezeichnet). Einige dieser Prinzipien stehen in engem Zusammenhang mit den oben genannten Prinzipien.

Raster und Ausrichtung stehen in engem Zusammenhang mit dem Gleichgewicht und beziehen sich auf die Anordnung der Elemente in Bezug auf ein unsichtbares Raster auf der Seite.

Rahmen bezieht sich darauf, wie das Hauptmotiv eines Designs in Bezug zu anderen Elementen auf der Seite platziert wird. Es wird am häufigsten in der Kinematographie oder Fotografie erwähnt, wie der Hauptfokus eines Bildes innerhalb des Gesamtbildes liegt. Aber das Prinzip überträgt sich auf das Design.

Die Form ist auch ein wesentlicher Bestandteil jedes Designs, sowohl in Bezug auf bestimmte Formen, die als Elemente im Design verwendet werden, als auch in Bezug auf die Gesamtform des Designs. Unterschiedliche Formen können unterschiedliche Gefühle hervorrufen, dh Kreise sind organisch und fließend, während Quadrate starrer und formaler sind und Dreiecke ein Gefühl von Energie oder Bewegung vermitteln.

Diese Designprinzipien oder -elemente sind wichtige Aspekte eines guten Designs und sollten zusammen mit den anderen Grundprinzipien betrachtet werden, um die bestmögliche Benutzererfahrung zu erzielen.

Fazit

Was die „Grundprinzipien“ des Designs ausmacht, steht mit Sicherheit zur Debatte. Das Verständnis und die Umsetzung der oben genannten Prinzipien sind jedoch für den Erfolg jedes Designprojekts von entscheidender Bedeutung.

Designer sollten versuchen zu verstehen, wie sich jedes dieser Designprinzipien auf ihre Arbeit auswirkt. Das Studium, wie andere Designer diese Ideen umgesetzt haben, um ihre eigenen Entwürfe zu strukturieren, ist auch ein unglaublich wertvolles Instrument, um zu lernen, wie man bessere Entwürfe schafft.

Es ist durchaus möglich, ein gutes Design zu erstellen, ohne diese Elemente und Prinzipien des Designs genau zu verstehen. Typischerweise geschieht dies jedoch durch die Intuition des Designers und erfordert möglicherweise viel Versuch und Irrtum, um etwas zu schaffen, das tatsächlich gut aussieht und ein optimales Benutzererlebnis schafft. Designer könnten viel Zeit und Energie sparen, indem sie die von uns diskutierten Prinzipien anwenden, bis sie zur Selbstverständlichkeit werden.


Moderne Kunst , Malerei ,Bildhauerei , Architektur und Grafik charakteristisch für das

Moderne Kunst , Malerei ,Bildhauerei , Architektur und Grafik charakteristisch für das

Jahrhundert und den späteren Teil des 19. Jahrhunderts. Die moderne Kunst umfasst eine Vielzahl von Bewegungen, Theorien und Einstellungen, deren Modernismus insbesondere darin besteht, traditionelle, historische oder akademische Formen und Konventionen abzulehnen, um eine Kunst zu schaffen, die den veränderten sozialen, wirtschaftlichen und intellektuellen Bedingungen besser gerecht wird .
Die Anfänge der modernen Malerei können nicht klar abgegrenzt werden, aber es besteht allgemeine Übereinstimmung darüber, dass sie im Frankreich des 19. Jahrhunderts begann. Die Gemälde von Gustave Courbet , Edouard Manet und den Impressionisten sind eine tiefgreifende Ablehnung der vorherrschenden akademischen Tradition und ein Streben nach einer naturalistischeren Darstellung der Bildwelt. Die postimpressionistischen Nachfolger dieser Maler können durch ihre Ablehnung traditioneller Techniken und Gegenstände und durch ihren Ausdruck einer subjektiveren persönlichen Vision als moderner angesehen werden. Ab etwa den 1890er Jahren entstand eine Abfolge verschiedener Bewegungen und Stile, die den Kern der modernen Kunst bilden und einen der Höhepunkte der westlichen visuellen Kultur darstellen. Zu diesen modernen Bewegungen gehören Neoimpressionismus , Symbolismus , Fauvismus , Kubismus , Futurismus , Expressionismus , Suprematismus , Konstruktivismus , metaphysische Malerei , De Stijl , Dada , Surrealismus , sozialer Realismus , abstrakter Expressionismus , Pop-Art , Op-Art , Minimalismus und Neo-Expressionismus. Trotz der enormen Vielfalt dieser Bewegungen sind die meisten von ihnen charakteristisch modern in ihrer Untersuchung der Potentiale, die dem Malmedium selbst innewohnen, um eine spirituelle Reaktion auf die veränderten Lebensbedingungen im 20. Jahrhundert und darüber hinaus auszudrücken. Zu diesen Bedingungen gehören ein beschleunigter technologischer Wandel, die Erweiterung des wissenschaftlichen Wissens und Verständnisses, die scheinbare Irrelevanz einiger traditioneller Wert- und Glaubensquellen und ein wachsendes Bewusstsein für nichtwestliche Kulturen .

Ein wichtiger Trend, der im 20. Jahrhundert begann, war der von abstrakte oder nicht-objektive Kunst – dh Kunst, bei der wenig oder gar nicht versucht wird, die Erscheinungen oder Formen von Objekten im Bereich der Natur oder der existierenden physischen Welt objektiv zu reproduzieren oder abzubilden. Es ist auch anzumerken, dass die Entwicklung der Fotografie und der damit verbundenen fotomechanischen Reproduktionstechniken einen undurchsichtigen, aber mit Sicherheit wichtigen Einfluss auf die Entwicklung der modernen Kunst hatte, da diese mechanischen Techniken das manuell ausgeführte Zeichnen und Malen von ihren bisher entscheidenden Eigenschaften befreiten (oder beraubten) Rolle als einziges Mittel zur genauen Darstellung der sichtbaren Welt.

Modern Architektur entstand aus der Ablehnung von Wiedergeburten, Klassizismus, Eklektizismus und in der Tat allen Anpassungen vergangener Stile an die Gebäudetypen der industrialisierenden Gesellschaft des späten 19. und 20. Jahrhunderts. Es entstand auch die Bemühungen, um architektonische Formen und Stile zu erstellen, die die neu verfügbaren würden nutzen und reflektieren Bautechnologien von Struktur Eisen und Stahl, Stahlbetonund Glas. Bis zur Ausbreitung der Postmoderne bedeutete die moderne Architektur auch die Ablehnung der angewandten Ornamente und Verzierungen, die für vormoderne westliche Gebäude charakteristisch waren. Die moderne Architektur konzentrierte sich konsequent auf Gebäude, deren rhythmische Anordnung von Massen und Formen ein geometrisches Thema in Licht und Schatten vorgibt. Diese Entwicklung ist eng mit den neuen Gebäudetypen verknüpft, die von einer Industriegesellschaft gefordert werden, beispielsweise mit Bürogebäuden, in denen die Unternehmensführung oder die Regierungsverwaltung untergebracht sind . Zu den wichtigsten Trends und Bewegungen der modernen Architektur zählen die Chicago School , der Funktionalismus , Art Deco , Jugendstil , De Stijl und das Bauhaus, der internationale Stil , der neue Brutalismus und die Postmoderne .

Zusammenfassung der Modernen Kunst

Zusammenfassung der Modernen Kunst

Die moderne Kunst stellt eine sich entwickelnde Reihe von Ideen unter einer Reihe von Malern, Bildhauern, Fotografen, Performern und Schriftstellern dar, die – sowohl individuell als auch kollektiv – neue Ansätze für das Kunstschaffen suchten. Obwohl das Museum moderne Kunst rückblickend betrachtet um 1850 mit der Ankunft des Realismus begann, wurden Ansätze und Kunststile im Laufe des 20. Jahrhunderts definiert und neu definiert. Jahrhundert neu definiert und neu definiert. Die Praktiker jeder neuen Stilrichtung waren entschlossen, eine originelle und zugleich repräsentative Bildsprache zu entwickeln.

(1962) von Andy Warhol

Das rasche Wachstum der Industrie und der Fortschritt der Technologie trieb die Künstler dazu an, die Welt auf neue und innovative Weise zu repräsentieren. Das Ergebnis war eine Kunst, die neue Farben, alternative Formen, emotionale Ausdrucksformen und Experimente in der Abstraktion annahm.

Definition, Entwicklung und verwandte Themen der modernen Kunst

DIE WICHTIGSTE KUNST IN DER MODERNEN KUNST Wichtige Kunst und Analyse

Die folgenden Kunstwerke sind die wichtigsten der Modernen Kunst – die sowohl einen Überblick über die wichtigsten Ideen der Modernen Kunst geben, als auch die größten Errungenschaften der einzelnen Künstler hervorheben. Vergessen Sie nicht, die Übersichtsseiten der Künstler zu besuchen, die Sie interessieren.

Claude Monet: Impression, Sonnenaufgang (1873)

Artwork-Beschreibung & Analyse: In diesem bahnbrechenden Werk der modernen Kunst sind Monets lockerer Umgang mit der Farbe und sein Fokus auf Licht und Atmosphäre innerhalb der Landschaftsszene allesamt wesentliche Merkmale des Impressionismus, der weithin als die erste vollmoderne Bewegung gilt. Monets Verwendung der Abstraktion evoziert das, was der Künstler beim Malen der Szene empfand oder erlebte, was für einen Maler zu dieser Zeit eine höchst ungewöhnliche Vorgehensweise war. Der Titel des Werkes, Impression, Sonnenaufgang, gab den Kritikern nicht nur den Namen, den die Bewegung später erhalten sollte, sondern vermittelt auch die Vergänglichkeit, Flüchtigkeit und Subjektivität des Bildes. Es ist Monets visueller Eindruck von dem, was er während dieses Sonnenaufgangs beobachtete.

Paul Cézanne: Die großen Badenden (1898-1906)

Artwork-Beschreibung & Analyse: Die großen Badenden ist eines der besten Beispiele für Cézannes Auseinandersetzung mit dem Thema des modernen, heroischen Aktes in der Natur. Die Aktreihen sind wie Objekte eines Stillebens unter dem Spitzbogen, der durch die Verschneidung von Bäumen und Himmel gebildet wird, in verschiedenen Positionen angeordnet. Cézanne versuchte eine Abkehr von den impressionistischen Motiven der Licht- und Naturwirkung und komponierte diese Szene stattdessen als eine Reihe sorgfältig konstruierter Figuren, als ob er mit dem Pinsel Skulpturen schaffen würde. Dabei ging es ihm mehr um die Art und Weise, wie die Formen den Raum besetzen, als um die Aufzeichnung seiner visuellen Beobachtungen. Diese Zerstörung des regulären Illusionismus und der radikale Vorstoß in die zunehmende Abstraktion gilt als wichtiger Vorläufer des Kubismus.

Pablo Picasso: Les Demoiselles d’Avignon (1907)

Artwork-Beschreibung & Analyse: Für Les Demoiselles d’Avignon holte sich Picasso Inspiration aus verschiedenen Quellen, darunter die afrikanische Stammeskunst, der Expressionismus und die post-impressionistische Malerei von Paul Cézanne. Diese scheinbar uneinheitlichen Quellen in einem Stück zu vereinigen, war ein neuer Ansatz für das Kunstschaffen und vermittelt, wie sehr sich die Perspektiven der Künstler mit dem Aufkommen der Moderne erweitert haben. Das Gemälde war ursprünglich wegen der Darstellung einer Bordellszene und wegen der zerklüfteten, hervorstehenden und abstrakten Formen, die zur Darstellung der Frauen verwendet wurden, sehr umstritten. Es wird auch als das Kunstwerk angesehen, das die Kubismusbewegung auslöste. Die Vielfalt der Stile, die in diesem Werk enthalten sind – von der iberischen Skulptur, die sich auf die Körper der Frauen bezieht, bis hin zur skulpturalen Dekonstruktion des Raumes, die von Cézanne abgeleitet ist – stellen nicht nur einen klaren Wendepunkt in Picassos Karriere dar, sondern machen das Gemälde zu einer unglaublich ausgeprägten Errungenschaft der Moderne.

Schauen Sie sich Top of the Rock und das Museum of Modern Art an

Schauen Sie sich Top of the Rock und das Museum of Modern Art an

Wussten Sie, dass Sie zwei einzigartige Seiten von New York in einer einfachen Reise erfassen können? Es gibt mindestens zwei Möglichkeiten, seine Pracht und Pracht zu betrachten. Eine Möglichkeit ist der Besuch des Top of the Rock Tower. Der andere Weg ist das Museum of Modern Art. Beide Orte bieten so viel im Namen New Yorks.

The Top of the Rock ist ein stolzer Ort in New York, an dem Sie die strahlende Schönheit von New York City hoch über dem Boden bewundern können. Stellen Sie sich vor, Sie wären oben, in siebzig Stockwerken, und Sie sehen New York City. Ihre Sicht dort oben ist unbegrenzt, da die Oberseite des Felsens eine Aussichtsplattform hat, die den Rundumblick ermöglicht.

Dies ist ungefähr 800 Fuß über dem Boden, und Sie fühlen sich in dieser Höhe in New York City mit Sicherheit gestärkt. Es ist einfach unglaublich und atemberaubend. Dies ist der beste Ort, um den herrlichen Big Apple zu sehen.

Eine andere Art, New Yorks Ruhm zu sehen, ist das Kunstwerk im Museum of Modern Art. Wenn Sie Höhenangst haben und sich für Kunst interessieren, wählen Sie vielleicht das Museum of Modern Art über der Aussichtsplattform Top of the Rock.

Das Museum of Modern Art beherbergt Werke wie Van Goughs Sternennacht oder Claude Monets Reflexion über Wolken in den Seerosen. Dies sind zwei bekannte Künstler, die Sie im Museum finden. Im Museum of Modern Art werden auch andere großartige Künstlerarbeiten angeboten.

Dies sind nur zwei Möglichkeiten, die Schönheit von New York City zu entdecken. Top of the Rock und das Museum für moderne Kunst. Es gibt jedoch höchstwahrscheinlich auch andere Möglichkeiten. Diese beiden sind einzigartig, weil sie zwei völlig unterschiedliche Perspektiven bieten.

Sie können also je nach Ihrem Geschmack auswählen oder beide besuchen. Oder versuchen Sie dies zum Beispiel; Sie gehen zur Spitze des Felsens und haben eine 360-Grad-Ansicht und wenn Sie dort fertig sind, fallen Sie dann zum Museum of Modern Art. Pünktlich zu Ihrer Essenszeit finden Sie in diesem Museum auch gute Cafés.

Warte keine Minute mehr. Sehen Sie NYC von seiner schönsten Seite mit diesen beiden Spots!

Museum Ireland – Irisches Museum für moderne Kunst

Museum Ireland – Irisches Museum für moderne Kunst

Die Mission des Museums ist es, in der Gesellschaft ein Bewusstsein, Verständnis und Engagement für die bildenden Künste durch Strategien und Programme zu fördern, die hervorragend, innovativ und inklusiv sind. Als eines der führenden Museen in Irland präsentiert das IMMA eine Vielzahl von Kunstwerken in einem dynamischen Ausstellungsprogramm, das regelmäßig Werke aus seiner eigenen Sammlung und seiner preisgekrönten Abteilung für Bildung und Soziales umfasst. Es schafft auch einen breiteren Zugang zu Kunst und Künstlern durch seine Studio- und National-Programme. Der derzeitige Direktor ist Enrique Juncosa, der zuvor stellvertretender Direktor des Kunstzentrums des Nationalmuseums Reina Sofia (MNCARS) in Madrid war.

Museum Ireland: Wie wurde das Irish Museum of Modern Art gegründet?

Das Irish Museum of Modern Art wurde 1990 von der irischen Regierung als erste nationale Institution Irlands für die Präsentation und Sammlung moderner und zeitgenössischer Kunst gegründet. Das Museum wurde am 25. Mai 1991 vom damaligen Taoiseach Charles J Haughey offiziell eröffnet. Seit seiner Eröffnung hat sich das Museum schnell als bedeutende und dynamische Präsenz in der irischen und internationalen Kunstszene etabliert. Es wird von Fachkollegen auf der ganzen Welt für die Reichweite und Relevanz seiner Ausstellungen, für die innovative Nutzung seiner wachsenden Sammlung, für sein preisgekröntes Bildungs- und Gemeinschaftsprogramm sowie für sein auf Besucher ausgerichtetes Ethos und seine Einrichtungen allgemein bewundert.

Das irische Museum für moderne Kunst heute

Die IMMA hat sich als wertvolle und beliebte Ergänzung der kulturellen Infrastruktur des Landes erwiesen und zieht jedes Jahr mehr als 400.000 irische und ausländische Besucher mit unterschiedlichem sozialem Hintergrund an, sowohl zum Museum selbst als auch zu Veranstaltungen, die von unserem nationalen Programm in ganz Irland organisiert werden.

Ausstellungen des Irish Museum of Modern Art

Das temporäre Ausstellungsprogramm des Museums stellt regelmäßig die Arbeit führender, etablierter Persönlichkeiten der jüngeren Künstlergeneration gegenüber, um eine Debatte über das Wesen und die Funktion der Kunst und ihre Verbindung mit der Zukunft zu führen. Zu den auf der IMMA präsentierten Ausstellungen zählen: Francis Alÿs, Alexander Calder, James Coleman, Dorothy Cross, Lucian Freud, Ann Hamilton, Howard Hodgkin, Juan Miró, Hughie O’Donoghue und Elizabeth Peyton. Das IMMA hat viele Ausstellungen ins Leben gerufen, arbeitet aber auch eng mit einem Netzwerk internationaler Galerien und Museen zusammen.

Die Sammlung

Die rund 4.500 Werke umfassende Sammlung des Irish Museum of Modern Art wurde seit 1990 durch Ankauf, Spenden und langfristige Leihgaben sowie durch die Beauftragung neuer Werke aufgebaut. Das Museum kauft zeitgenössische Kunst an, nimmt jedoch Schenkungen und Leihgaben von eher historischen Kunstgegenständen entgegen, wobei der Schwerpunkt auf Arbeiten ab den 1940er Jahren liegt.

Die permanente Sammlung spiegelt einige der aufregendsten Trends in der irischen und internationalen Kunst wider. Sie umfasst Arbeiten von Gilbert und George, Marina Abramovic, Willie Doherty und Paul Seawright, Installationen von Amelia Kabakov, Rebecca Horn und Skulpturen von Dorothy Cross, Kathy Prendergast, Damien Hirst und Stephan Balkenhol; auch Gemälde von Francesco Clemente, Tony O’Malley, Peter Doig und Peter Halley. Zu den wichtigsten Spenden zählen eine Vielzahl moderner und zeitgenössischer Kunst, darunter eine Reihe von Werken von Picasso aus den 1930er Jahren, Gemälde von Sean Scully, eine große Skulptur von Barry Flanagan und ein Film von Neil Jordan.

NYC Museen Museum of Modern Art

NYC Museen Museum of Modern Art

Das Museum of Modern Art, oft einfach MoMA genannt, ist nicht nur eines der berühmtesten Museen New Yorks, sondern gilt auch als eines der einflussreichsten Museen für moderne Kunst der Welt. Das MoMA verfügt über eine umfangreiche Sammlung moderner und zeitgenössischer Kunstwerke aller Art, angefangen von Werken über Architektur und Design bis hin zu Gemälden und Skulpturen, Film und elektronischen Medien und vielem mehr. Das Museum verfügt auch über eine Bibliothek und ein Archiv mit über 300.000 Einträgen, darunter Primärmaterial zur Geschichte der modernen Kunst. Das MoMA bietet sogar gehobene Küche in seinem preisgekrönten Restaurant The Modern.

Das Museum of Modern Art befindet sich in Midtown Manhattan, nur wenige Blocks südlich des Central Park, zwischen der 5th und der 6th Avenue. Wenn Sie nach anderen Museen in Manhattan suchen, die mehr als nur moderne Kunst bieten, gibt es viele andere Museen in unmittelbarer Nähe. Gleich nebenan befindet sich das American Folk Art Museum, das eine der größten Volkskunstsammlungen des Landes beherbergt. Nur ein paar Blocks entfernt finden Sie auch das Museum of Arts & Design und das Dahesh Museum of Art. Das gesamte Gebiet rund um das Museum ist mit öffentlichen Verkehrsmitteln leicht zu erreichen. Innerhalb von drei Blocks gibt es drei verschiedene Stationen, die von fünf verschiedenen U-Bahnlinien bedient werden.

Das Gebäude in der 53. Straße, in dem sich dieses New Yorker Museum befindet, wurde 2004 umgebaut und bietet nun fast doppelt so viel Platz für Ausstellungen wie vor der Renovierung. Im Inneren finden Besucher über 150.000 Kunstwerke sowie rund 22.000 Filme und Filmstills. Zu den westlichen Meisterwerken des MoMA zählen Vincent van Goghs Sternennacht und Salvador Dalis Persistence of Memory sowie zahlreiche Werke anderer Größen wie Pablo Picasso, Henri Matisse, Claude Monet und Andy Warhol. Neben der umfangreichen Sammlung finden im Museum das ganze Jahr über wechselnde Ausstellungen statt. Weitere Informationen über das, was Sie im Museum finden, finden Sie in allen Fotos, Videos, Artikeln und Veranstaltungen direkt hier in den NYC-Museen.

Wenn es Ihnen nicht ausreicht, nur die wundervollen Kunstwerke zu betrachten, bietet das Museum of Modern Art auch alle Arten von Bildungsprogrammen an. Das Museum bietet täglich mehrere Konversationen und Vorträge, die sich in der Regel auf aktuelle Ausstellungen konzentrieren und Ihren Geist öffnen und einen tieferen Einblick in die Kunst bieten, die Sie sehen. Für einen noch tieferen Einblick in die moderne Kunstwelt bietet das Museum of Modern Art eine Vielzahl von Kursen und Praktika bei führenden Kunstspezialisten an. Detaillierte Informationen zu allen Gesprächen, Vorlesungen, Kursen und Praktika finden Sie auf der offiziellen Website des MoMA.