Select Page

Was ist moderne Kunst? Die Antwort mag einfach erscheinen – die Kunst der Neuzeit. In Wirklichkeit bedeutet “moderne Zeit” jedoch nicht die Gegenwart, sondern eine Zeitspanne, die über ein Jahrhundert vor der Gegenwart beginnt!
In künstlerischer Hinsicht bezieht sich moderne Kunst auf alle Kunst, die in den 1860er bis 1970er Jahren hergestellt wurde und viele verschiedene künstlerische Stile umfasste. Es war eine Zeit, in der Künstler traditionelle Praktiken und Werte ablehnen wollten, um Kunst für ein Zeitalter zu schaffen, das sich rapide wandelte und „modern“ wurde.

in Blick auf sich selbst, geprägt von der Geschichte

Vor den 1860er Jahren war Kunst die Bastion der Wohlhabenden, die Kunst in Auftrag gaben, die größtenteils auf Mythologie, Religion oder Selbstporträt basiert.

Aber die industrielle Revolution hatte Landschaften und Lebensstile drastisch verändert, und Künstler konnten sich nicht mehr auf die perfekten Themen oder Szenen beziehen, die auf den Gemälden ihrer Vorgänger abgebildet waren.

Künstler wollten auf moderne Ereignisse reagieren und die Welt so darstellen, wie sie sie sahen, und nicht so, wie es ein König oder eine Kunstschule vorschreibt. In der modernen Kunst ging es darum, zu experimentieren und persönlichen Ausdruck zu finden.

Der Anstieg der Popularität und Zugänglichkeit der Fotografie war auch ein entscheidender Einflussfaktor, der der modernen Kunst neue Paradigmen einbrachte. Da die Fotografie Motive mit einer Genauigkeit erfassen konnte, die weder Künstler noch Bildhauer konnten, begannen die Künstler, abstraktere Bilder ihrer Motive zu erstellen.

Künstler wie Henri Matisse und Picasso forderten das konventionelle Denken heraus und ließen ihrer Fantasie freien Lauf, indem sie Themen aus verschiedenen Blickwinkeln und aus verzerrten Perspektiven darstellten.
Im Laufe der Jahre veränderte sich die Landschaft der modernen Kunst stetig, beeinflusst von technologischen Fortschritten und Ereignissen wie den Weltkriegen und der Weltwirtschaftskrise. Für moderne Künstler war “Kunst wichtig”, und sie reagierten auf diese Veränderungen, indem sie neue Medien und Ausdrucksstile einnahmen. 

Die moderne Kunst entwickelte sich durch ein Dutzend Stile von abstrakt bis eindrucksvoll. Irgendwann erreichten Experimente und Verzerrungen einen solchen Höhepunkt, dass die moderne Kunst für einige kaum mehr zu sein schien als abstrakte, nicht entzifferbare Figuren, Farbkleckse und Alltagsgegenstände in Glaskästen. Es gipfelte schließlich darin, dass der Modernismus “altmodisch” wurde und sich der postmodernen und zeitgenössischen Kunst zuwandte. 

Moderne Kunst in Indien – eine einzigartige Definition

Die Bewegung für moderne Kunst in Indien begann Anfang des 20. Jahrhunderts. Im Gegensatz zu den globalen modernen Künstlern, die eine persönliche Stimme kreieren wollten, begann die Reise der indischen Moderne mit Künstlern, die Kunst kreieren wollten, die eindeutig indisch war.

Künstler wie Rabrindranath Tagore und Nandalal Bose, die stark von der Swadeshi-Bewegung beeinflusst waren, lehnten das westliche Konzept des Naturalismus ab, wie es in Raja Ravi Varmas Kunstwerken zu sehen ist. Stattdessen ließen sie sich von der indischen Mythologie und Religion inspirieren.

Sie malten nach den Prinzipien der indischen Miniaturmalerei und den Freskenstilen von Tempeln und Ajanta-Wandgemälden. Die Befürworter dieses Stils gehörten zu dem, was heute als berühmte bengalische Kunstschule bekannt ist.

(Ohne Titel 1936 von Rabindranath Tagore)

Die einfache indische Volkskunst von Jamini Roy und die kühnen postimpressionistischen Leinwände von Amrita Shergill sind bedeutende Formen der indischen modernen Kunst.

Nach der Unabhängigkeit entschieden sich viele indische Künstler dafür, ihre Bilder zu vereinfachen und in ihren Bildern unpolitisch zu sein, indem sie sich mit trivialen Aspekten des Lebens befassten. Die Progressive Artists Group (PAG), die 1947 von bedeutenden Künstlern wie SH Raza, MF Husain und FN Souza gegründet wurde, war eine der einflussreichsten Bewegungen in der modernen indischen Kunst. Die Gruppe löste sich von der Wiederbelebungskunst der Bengalischen Schule, nahm die avantgardistischen Formen der europäischen Schulen auf und bezog den abstrakten Expressionismus von Paris in ihre Kunst ein.

Mit zunehmender Abstraktion begannen indische Künstler, mit globalen modernistischen Kunststilen zu experimentieren. In den 1950er Jahren schufen Künstler der Baroda-Kunstschule wie KG Subramanyan Kunst, die indische Volkskunst mit urbanen Trends und Interpretationen der Populärkultur verband. Spätere Künstler wie Jagdish Swaminathan lehnten jedoch importierte Kunststile ab und kehrten zu ihren indischen Wurzeln zurück, um einen Raum für indianische Stammes- und Volkskunst zu schaffen.

Die Entwicklung der indischen modernen Kunst war also immer von ihren ethnischen und einheimischen Wurzeln geprägt, die durch verschiedene Stile interpretiert wurden, aber nie zu weit von ihrer “Indianerin” entfernt waren. Ob global oder in Indien, bei der Moderne ging es darum, durch Kunst eine einzigartige Ausdrucksidentität zu schaffen.